東京・原宿に、新たなアートスペース「seeen Harajuku（シーンハラジュク）」が誕生しました。建築の設計を手がけたのは、彫刻家の名和晃平と、名和氏が主宰するクリエイティブ・プラットフォーム「Sandwich（サンドイッチ）」。2026年11月1日、その杮落としとして名和氏の個展「At Random」が開幕しました。会期は11月28日まで。

原宿・神宮前の街並みに現れたのは、細かな縦のラインが幾重にも連なり、曲面を描く建築です。黒く鈍い光沢を帯びた外装は、見る位置や光の当たり方によって陰影を変え、ひとつの大きな彫刻のような存在感を放っています。




建物の内部では、4つのフロアと階段室を使い、名和氏の代表的なシリーズから新作まで、多様な作品が展開されています。建築と作品はそれぞれ独立した存在でありながら、形態や素材、光、そして鑑賞者の動きを通じて関係を結んでいます。

本展を特徴づけるのは、作品を鑑賞することと、建築を体験することが切り離されていない点です。名和氏が長年探究してきた物質と知覚の関係は、彫刻の表面から建築空間へと広がり、新たな鑑賞体験を生み出しています。

「Shading Drapes」──彫刻家が設計した、原宿の新たな建築

seeen Harajukuは、名和晃平とSandwichが設計した、地上4階建てのアートスペースです。建築の外観を特徴づけるのは、「Shading Drapes」と名付けられたルーバー状の外装。細く連続する縦のラインが、緩やかな曲面を描きながら建物を包み込んでいます。

一般的な建築の外壁が、内部と外部を隔てる明確な境界として機能するのに対し、この建築では、外装そのものが立体的な表情を持っています。曲面を重ねたような形態によって建物の輪郭には奥行きが生まれ、見る角度によって異なる造形が現れます。



近づいてみると、外装を構成する一本一本のラインが、光を受けて細かな陰影をつくっていることがわかります。遠くからは一体の曲面として認識される外観も、距離を縮めることで、無数の線の集積として見えてきます。この視覚的な変化は、名和氏の彫刻作品を考えるうえでも興味深いものです。

名和氏はこれまで、彫刻の「表皮」を、鑑賞者の感覚に接続するインターフェイスとして捉え、制作を続けてきました。代表的な《PixCell》シリーズでは、対象物の表面を透明な球体で覆うことによって、もとのイメージを変容させています。

《PixCell》と「Shading Drapes」は、もちろん異なる構造と目的を持つ表現です。しかし、表面を構成する細かな単位の集積が、対象全体の見え方を変化させるという点には、共通する造形的な関心を見いだすことができます。



建築の内部は、外観とは対照的に、白を基調とした展示空間と、曲面やくぼみを持つ壁面によって構成されています。無数のアルコーブが設けられた空間は、洞窟を思わせる奥行きと複雑な輪郭を持ち、鑑賞者の視線や身体の動きに応じて異なる表情を見せます。

ここでは、建築は作品を収めるための均質な箱ではありません。壁面の曲線や空間の連なりが鑑賞者の動きを導き、作品との出会い方にも変化をもたらしています。

原宿・表参道という、商業施設やファッションブランド、さまざまな文化が密集する都市環境にありながら、seeen Harajukuが目指すのは、周囲の情報や刺激から一時的に距離を取り、創作を通じた深い知覚体験に向き合う場所です。

その思想は、今回の個展「At Random」の構成とも密接に関わっています。

4つのフロアを巡る──建築と作品が呼応する「At Random」

「At Random」は、名和氏がこれまでに展開してきた複数の作品シリーズを、seeen Harajukuの建築全体に配置した展覧会です。彫刻、平面作品、インスタレーションが、4つのフロアと階段室にわたって展開され、鑑賞者は建物を上下に移動しながら作品と出合います。

今回の展示では、それぞれの作品に従来とは異なる構成や展示方法が試みられています。作品を年代順やシリーズごとに整理して紹介するのではなく、形態や色彩、素材、イメージの関係を通じて、異なる作品がゆるやかにつながる構成です。

その関係を象徴するのが、螺旋階段の中央に設置された新型の《Ether》です。

photo ©FASHION HEADLINE

頂点に魚眼レンズを嵌め込んだシルバーブルーの細長い彫刻が、カメラの絞りをイメージした階段の中心を貫くように上方へと伸びています。周囲には曲面を描く階段や壁があり、作品に光が当たることで、その輪郭とは異なる形の影が壁面に映し出されます。垂直方向に伸びる作品と、曲線を描く階段。金属的な表面と、柔らかな印象を与える建築の質感が対比をなし、作品と空間は互いの形態を際立たせています。さらに、そこに音楽家・原摩利彦氏によるサウンドスケープが加わることで、視覚・触覚・聴覚へと広がる複層的な体験がつくり出されています。

Installation view, At Random, seeen Harajuku, Tokyo, Japan, 2026
Photo: Nobutada OMOTE ©Kohei Nawa | Sandwich


また、《Plotter》の描線は、建築の外装を構成するルーバーのテクスチャとも呼応しています。外観を覆う細かな線の連続は、展示作品の造形にも通じ、建物の外側から内部へと移動する鑑賞体験の中で、異なるスケールの表現に共通する視覚的な要素が浮かび上がります。

photo ©FASHION HEADLINE

「At Random」という展覧会タイトルが示すのは、単なる無秩序ではありません。名和氏の制作では、イメージや素材、テクスチャが絶えず交錯し、相互に影響し合いながら、新しい形態や関係を生み出していきます。一見すると偶然に見える組み合わせも、そこには有機的なつながりが存在しています。

今回の展覧会では、その創作のあり方が、作品同士の関係だけでなく、建築を巡る体験そのものへと拡張されています。

《PixCell》──物質の表面から、知覚を変える

名和晃平の創作を理解するうえで、重要なシリーズのひとつが《PixCell》です。「Pixel（画素）」と「Cell（細胞）」を組み合わせた名称を持つこのシリーズでは、既存の物体の表面を透明な球体で覆うことで、対象の見え方を変化させています。

今回の展示でも、スニーカーをはじめとする身近なモチーフを用いた立体作品や、透明なセルによって表面が構成された作品が紹介されています。

photo ©FASHION HEADLINE

透明な球体は、内部にある対象をそのまま見せるわけではありません。球体の曲率や重なりによって、色や形が拡大され、屈折し、部分的に変形して見えます。鑑賞者は、そこにあるものが何であるかを認識しながらも、その輪郭が透明な球体を通して変容して見えることに気づきます。つまり、物体の表面に新たな層を加えることによって、対象そのものと、私たちが知覚するイメージとの間に変化が生まれているのです。

photo ©FASHION HEADLINE

会場では、こうした立体作品に加え、平面へと展開された表現にも出合うことができます。セルの集合によって構成される表面は、鑑賞する距離や角度、光の状態によって異なる表情を見せます。そこでは、物質を直接見ることと、物質を通して生じるイメージを見ることが重なり合っています。

この「表面を介して見る」という経験は、seeen Harajukuの建築を体験することともつながっています。

《PixCell-Memorandum》──都市の記憶を断片化し、再構成する

2階で展示されている《PixCell-Memorandum》は、「記憶の断片」をテーマとする新作です。名和氏が国内外の都市で撮影した写真を断片化し、それらを画素のように再構成したイメージ。その表面を、無数のセルが覆っています。写真が記録していた都市の風景は、断片化され、再び組み合わされることで、もとの風景とは異なるイメージへと変化します。

さらに、セルを通して見ることによって、画面の一部が浮かび上がったり、見えにくくなったりする。鑑賞者の視点が移動するたびに、作品の表情も変わっていきます。

Installation view, At Random, seeen Harajuku, Tokyo, Japan, 2026
Photo: Nobutada OMOTE ©Kohei Nawa | Sandwich


この作品の背景には、現代の情報環境に対する名和氏の関心があります。インターネットやSNSを通じて膨大な情報が流通し、AIが新たな言葉やイメージを生成する時代。私たちが日々接する情報は、異なる時間や場所、他者の経験を絶えず交錯させています。記憶もまた、ひとつの連続した物語として存在するのではなく、さまざまな断片の組み合わせによって形づくられているのかもしれません。

《PixCell-Memorandum》では、そうした記憶のあり方が、写真の断片化と再構成、そしてセルを通した視覚の変化によって表現されています。重要なのは、作品が完成されたひとつのイメージを提示するだけではないことです。

鑑賞者がどこから、どのように見るかによって、現れるイメージは変化します。作品を見るという行為そのものが、新たなイメージを生み出す過程に関わっているのです。

《Prism》《Spark》《Throne》──異なる素材が生み出す、名和晃平の作品世界

「At Random」では、《PixCell》とその派生シリーズ《Prism》に加え、《Spark》《Throne》《Biomatrix》など、名和氏の多様な作品が紹介されています。《Spark》は日本初公開となるシリーズです。また、《Throne》は、AIという新たな知性の到来を主題とする作品として位置づけられています。

Installation view, At Random, seeen Harajuku, Tokyo, Japan, 2026
Photo: Nobutada OMOTE ©Kohei Nawa | Sandwich


今回展示される《Throne》は、2018年にフランス・パリのルーヴル美術館のピラミッド内で特別展示された際の造形を引き継ぎつつ、表面をプラチナ箔で覆っています。このように本展では、名和氏が異なる時期に手がけてきた作品を、seeen Harajukuという新たな空間の中で見ることができます。

会場には、金属的な光沢を放つ彫刻、透明な球体によって表面を覆われた立体、黒い線が放射状に広がる作品など、異なる素材と造形を持つ作品が並びます。

Installation view, At Random, seeen Harajuku, Tokyo, Japan, 2026
Photo: Nobutada OMOTE ©Kohei Nawa | Sandwich


とりわけ印象的なのは、作品同士が必ずしも同じ素材や形態を共有していないにもかかわらず、空間の中で独特の関係を生み出していることです。透明な球体が光を反射する一方で、黒い線の集合は周囲の空間に鋭い輪郭を与えます。動物の形態を持つ作品と抽象的な造形が並ぶことで、具象と抽象の境界も揺らぎます。

また、暗い空間に展示された《Biomatrix》では、液体の表面に波紋が広がるような造形が現れ、明るい展示室とは異なる鑑賞体験が生まれています。

photo ©FASHION HEADLINE

こうした展示の変化は、名和氏が長年取り組んできた、物質の性質と人間の知覚の関係を、さまざまな角度から捉え直す機会となっています。

原宿に生まれた、アートと文化の新たな接点

seeen Harajukuが目指すのは、現代美術の展示だけに用途を限定した施設ではありません。今後は、ファッションブランドのイベントやワークショップ、レクチャーなど、クリエイションに関わる多様な活動を受け入れる場として構想されています。

原宿・表参道エリアは、ファッションや商業文化の発信地である一方、神宮前の路地には住宅や小規模な店舗、ギャラリーなどが共存しています。seeen Harajukuは、こうした都市環境の中で、アーティストやクリエイター、地域の人々、国内外から訪れる人々が交わる文化芸術の拠点を目指しています。その最初の展覧会として、建築の設計者でもある名和晃平の個展が開催されることには、象徴的な意味があります。

建築と作品を同時に体験することで、この場所がどのような創造性を受け入れ、どのような鑑賞体験を生み出していくのか。その可能性が、最初の展覧会を通じて示されているからです。

Installation view, At Random, seeen Harajuku, Tokyo, Japan, 2026
Photo: Nobutada OMOTE ©Kohei Nawa | Sandwich


名和氏の作品は、物質の表面を変えることによって、私たちの見慣れた対象に新しい姿を与えてきました。seeen Harajukuでは、その関心が建築へと広がり、鑑賞者が空間を移動することによって、作品と建築の関係が次々に変化していきます。

情報と刺激に満ちた原宿の街にありながら、seeen Harajukuは、目の前の作品や空間をじっくりと見つめ、自らの感覚に意識を向ける時間を生み出しています。

「At Random」は、名和晃平のこれまでの創作を振り返るだけでなく、建築という新たなスケールを通じて、その表現がどこへ向かうのかを考える機会にもなっています。